Nacido en 1876 en Turín, Roberto Omegna fue uno de los nombres fundamentales para que su ciudad se convirtiera en uno de los centros del cine mudo italiano, primero como exhibidor de películas y luego como productor asociado con Arturo Ambrosio, con quien fundó la Ambrosio Films. En 1913 tuvo uno de los grandes éxitos del cine mudo italiano, Los últimos días de Pompeya , pero los derroteros de Omegna como creador de imágenes iban por otro lado: le apasionaba el documental. Ya antes de la Primera Guerra Mundial había estrenado documentales etnográficos sobre sus viajes a América, Asia y África, pero también exploró territorios más íntimos, que son los que nos interesan aquí, especialmente su trabajo, La neuropatología (1908). Alguien que va a filmar como director de fotografía escenas de masa y cartón piedra y que seguirá los pasos de la caza de un leopardo, es capaz de en un espacio des nonudo acercarse al máximo a las miradas enajenadas de los pacientes del profesor Camillo Negro, pio...

En las primeras décadas del siglo XX, con el cine británico demostrando ser una de las mejores cinematografías europeas, el productor Charles Urban ideó una serie de películas científicas que trataban de hacer ver a los espectadores de su tiempo el mundo más allá de lo visible. De ahí nació en 1903 THE UNSEEN WORLD, un proyecto bajo el que surgieron los primeros intentos en combinar documental y ciencia, especialmente naturalismo. El más conocido de esos filmes, dirigido y protagonizado por el naturalista Francis Martin Duncan, fue The Cheese Mites (1903). En él un hombre deja de comer al comprobar a través de un microscopio, y nosotros con él, que un trozo de queso está repleto de ácaros. Toda una novedad cinematográfica que muy pronto conoció su parodia: The Unclean World (1903), dirigida por Percy Stow, donde en vez de ácaros se ven cucarachas de juguete, manipuladas por unas manos, símbolo claro de la mezcla de fascinación y escepticismo que despertaba esta ...

De García Lorca, como ocurre por ejemplo, con Machado, no conocemos cómo era su voz, pues no se ha conservado ningún registro de ella, a diferencia de buena parte de los escritores y personalidades de laa llamadas generaciones del 98 y del 27. Sí que existen en el caso Lorca (lo de Machado es muy escaso) al menos dos documentos cinematográficos, con imágenes mudas en movimiento del poeta y dramaturgo granadino. Uno gira en torno a la actividad de su compañía de teatro ambulante, La Barraca, y otro, unas imágenes muy valiosas de Lorca en Montevideo a principios de 1834, filmadas por el que se llegó a afirmar que fue su amante uruguayo, el también escritor, y guionista cinematográfico, Enrique Amorim . Es una de las varias filmaciones con las que entre 1928 y 1959 Amorim quiso compaginar su amor al cine y su obsesión por relacionarse con escritores y artistas célebres, recogidas en un vídeo subido por la IVAC (la filmoteca valenciana) en su cuenta de Vimeo . La antología se inicia con l...

William Godwin, el padre de Mary Shelley, la creadora de Frankenstein, tuvo fama como librero y editor, especialmente por su colección juvenil. Uno de los títilos más célebres de la colección fue la antología de cuentos basados en las obras de Shakespeare, adaptaciones escritas por los hermanos Mary y Charles Lamb en 1807. No sería el último intento de adaptar al público más joven el teatro del afamado escritor inglés, que además de conocer versiones y adaptaciones en papel y en escena también tuvo desde sus inicios su presencia en el cine. Una de las piezas que más versiones ha conocido ha sido La tempestad . Y para todos los gustos: dos tempranas mudas, de 1902 y 1908, incursiones personales y sofisticadas como las de Derek Jarman (1979) o de Peter Greenaway (1991), o versiones muy libres adaptadas a otros géneros, como el western Cielo amarillo (1948) de William A. Wellmann o la película de ciencia ficción Planeta prohibido (1956) de Fred M. Wilcox. Aquí me he fijado en tres: una...

Hace unos meses tuve la oportunidad de ver la película checa Happy End (1967) de Oldrich Lipský. Esta comienza en el momento en que un hombre sentenciado a muerte y ejecutado por el asesinato de su mujer resucita y relata su vida desde entonces, una autobiografía rebobinada, donde hechos y diálogos adquieren nueva perspectiva, siempre desde el humor negro. Así, por ejemplo, el descuartizamiento de su mujer en la bañera y posterior traslado en una maleta es visto y narrado como si hubiese recibido en casa una maleta con piezas de una mujer que se unían mejor en una bañera. El espectador además de aplaudir las numerosas muestras de ingenio del guion se pasa la película jugando a ver y comparar las dos líneas del tiempo que se le presentan y cómo quedarían los diálogos y los hechos en el orden correcto. A pesar de que no era muy larga, pensé que ese tipo de ejercicio retrospectivo de narrador y espectador podría darse de forma más intensa en un corto. Y así es en los tres cortos que ...

Nominado a los Oscar en la categoría de mejor corto de animación, Reci, reci, reci... (1991, Palabras, palabras, palabras... ) de Michaela Pavlátová se inscribe en la larga y sólida trayectoria de la escuela checa de animación y es una buena muestra de sus pilares: el humor nada ingenuo, su estética muy lejana a la factoría Disney y sobre todo su búsqueda de la universalidad, reforzada por la ausencia de diálogos o la utilización de un idioma inventado para estos que pueda entenderse, paradójicamente, en cualquiera idioma. Aún más paradójico esto último en el caso de este corto, pues se habla de las palabras en nuestras conversaciones sin utilizarlas, sustituyéndolas por su significación, su simbología, las consecuencias de su uso, sus malentendidos, su forma de hacer cosas nombrándolas en común, sus mensajes intercambiables, etc. etc. En el pequeño espacio de un café todos esos usos se mezclan por entre las mesas en las conversaciones y en las historias que se adivinan: un camarero e...

En los años de los primeros inventos propiamente cinematográficos, el kinestocopio de Edison, el bioscopio de los hermanos Skladanowsky y el cinematógrafo de los Lumière, dos bailarinas rivalizaban en los teatros en popularidad: Isadora Duncan y Loïs Fuller. Esta última fascinaba sobre todo por sus espectáculos de danza, color y electricidad, en los que imitaba el movimiento y colorido de las mariposas y de las serpientes. En la necesidad del cine de mostrar el cuerpo en movimiento y al mismo tiempo trasladar a la pantalla lo que se podía ver en los escenarios, las danzas serpentinas se convirtieron de inmediato en un tema muy popular, que de unas compañías a otras, de Edison a la Pathé, se copiaban. Más aún cuando se quiso experimentar con el color. Eran un vehículo perfecto y llamativo para ello. Annabelle Moore fue la primera de esas bailarinas serpentinas para la Edison, aunque pronto quisieron contar con la creadora original de esas danzas, Loïe Fuller, para algunas de las cinta...

En 1964, el director indio Satyajit Ray , quien se había hecho célebre internacionalmente con su trilogía de Apu , recibió el encargo de dirigir varios cortos para la televisión, en una trilogía sobre temas y música de la India. Acostumbrado a rodar en bengalí, en el caso de este corto se le pidió que fuese en inglés, para facilitar su mayor comercialización mundial. Optó, no obstante, por realizar una película muda, algo que potenciaba aún más su universalidad, ya presente en su temática: la rivalidad de dos niños, que representan respectivamente Occidente (la Coca-Cola, el ratón Mickey, el marketing imperial) y el Tercer Mundo (los juguetes hechos a mano, la cultura de la calle, el chabolismo). Rodada en blanco y negro y en 16 mm, con una repetitiva melodía de flauta compuesta por el propio Ray (flauta y ratón, el mito de Hamelin también asoma la cabeza), constituye como reza su subtítulo una fábula cinematográfica, en el que no se puede obviar el contexto de las guerras de Estados U...